18° Concurso Latinoamericano de Fotografía Documental “Los Trabajos y los Días”.

Abrimos la versión 18 de este evento invitando a fotógrafos y fotógrafas a documentar los diferentes aspectos del mundo laboral latinoamericano, donde se incluye viejos y nuevos oficios, la economía formal e informal, el mundo agrario, citadino e industrial, con los cuales hombres y mujeres pretenden sobrevivir u obtener una mejor vida.

Bases 18° Concurso Fotografía 2012

http://www.ens.org.co/concurso/

El Periodico La Nación de Argentina publica un articulo referente a este tema de la Primer Empresa de Fotografía de talla mundial, que hoy dia se debate entre la bancarrota y un futuro incierto.

aqui la liga para ver el articulo:

Kodak sembró en 1975 la semilla que la autodestruyó

Una de las primeras revistas dedicadas a la fotografia en México se llamo Fotografo Mexicano, el Periodista José Antonio Rodriguez publico en el periodico Milenio un estudio muy interesante acerca de la historia de estos magazines dedicados a la fotografia, una excelente investigación!

http://impreso.milenio.com/node/9099012

En el marco del festejo de la celebración los 10 años de rendija,   los queremos invitar a los siguientes eventos de clausura:

Esta convocatoria está dirigida a artistas menores de  35 años que se desempeñen en las disciplinas de  Fotografía, Pintura, Escultura, Grabado y otras disciplinas modernas, quienes se disputarán un Premio de  Adquisición por  12 mil euros un  Fondo, también de  Adquisición, por  15 mil euros. Cada artista puede presentar un máximo de dos obras originales de temática libre. En esta edición el envío del material será primero vía correo electrónico, y de entre esas obras se hará una preselección de las que ya se solicitará la recepción de los originales para escoger a la ganadora. La fecha límite de envío on-line  es  del 10 de enero al 20 de abril. Los interesados  pueden consultar las bases del premio en la página web: www.fundacionmariajosejove.org  Para dudas escriba a museo@artejove.org, o bien llame al  +34981 160 265 (Coruña, España).

El jurado realizará también una selección de quince obras para editar un catálogo y curar una muestra en la Fundación María José Jove, cuya inauguración coincidirá con la fecha en la que se haga público el fallo del jurado: el 31 de mayo.

Este certamen, convocado por la Fundación María José Jove, pretende favorecer la difusión del arte y promocionar a los jóvenes artistas. Se trata de un certamen bienal de ámbito nacional que en sus anteriores ediciones destacó por la calidad de las obras presentadas. Además del premio en metálico, la obra ganadora pasará a formar parte de la Colección de Arte Manuel Jove y su autor será invitado a formar parte del jurado de la próxima edición.

Este jueves 26 de enero, Casa Escorza inaugura la primera exposición del año, “La Otra Ciudad”, conformada por la visión

de 15 fotógrafos documentalistas sobre aquella metrópoli que existe para todos los que la habitan, pero que nadie quiere ver.

La exposición surge tras la realización del taller de fotografía documental impartido el año pasado por Héctor Guerrero Skinfill y Rafael

del Río, quienes seleccionaron a un grupo de 15 fotógrafos. “Fotografiamos historias, comunidades, personas y conflictos urbanos, siempre

con un sentido humano, en la búsqueda de registrar lo que sucede y de profundizar personalmente a través de

nuestras fotografías y de nuestra visión personal”, explica Héctor Guerrero sobre las diferentes capas temáticas que se abordan en la presente muestra.

La fotografía urbana, directamente no siempre incluye a las personas, sino que habla de sus formas de vida, por ello la marginación social, la

sobrepoblación, las necesidades y carencias de la población están presentes en cada toma. De acuerdo a Guerrero Skinfill, el trabajo

del fotógrafo documentalista no es juzgar o calificar los diferentes entornos urbanos que captura con su cámara, “sino ser testigo y documentar esas

historias, no pretendemos ni queremos calificarlas, simplemente compartimos nuestra mirada con los demás, esperando que las injusticias

no se repitan y que nuestras imágenes sirvan de testigos virtuales. Renata Garza, Pedro Pérez-Franco, Jaime Martín, Minerva Navarro, Juan

Carlos Luna, Servando Gómez, Ivonne Ojeda, Ignacio López, Héctor Miguel Castañeda, Edgar Hermosillo, David Chávez García, César Gómez, Canek

Núñez, Alberto González y Aidé Partida, son los 15 fotógrafos seleccionados para

participar en dicha muestra. “Quienes forman parte de esta exposición son en su mayoría estudiantes, y egresados de Fotografía y Ciencias de

la Comunicación. Algunos ya cuentan con algo de experiencia en el oficio y otros comienzan a hacer sus pininos. Por ello, el reto más grande ha sido

vencer el miedo de enfrentar la calle para encontrar sus historias y documentarlas. La calle es el terreno donde todos los fotógrafos

empezamos a hacer nuestros primeros disparos, es donde te curtes como fotógrafo”, afirma el artista visual. Sobre la fotografía urbana, una de las

más importantes y múltiples vertientes de la fotografía documental, Rafael del Río señala que lo interesante de abordar la calle es que “hay pequeños mundos

en cada cuadra, en cada barrio, en cada casa, en cada persona, a la vuelta de nuestra mirada, al otro lado de la barda por donde siempre caminamos. Cada

quien habita una ciudad interior. Una ciudad única”. Pobreza extrema, asentamientos irregulares en zonas de alto riesgo, colonias marginadas, los migrantes

centroamericanos en espera de “La Bestia”, las diferentes fronteras urbanas, personajes anónimos, pasiones y oficios, son algunas de las historias que se

narran en “La Otra Ciudad”, a partir de las categorías de fotorreportaje, fotografía de arquitectura y de retrato.

La Otra Ciudad

Exposición colectiva de fotografía

Jueves 26 de enero, 20:30 horas

Casa Escorza. Escorza 83-A

Entrada libre

Estimados amigos:

Los invito el próximo sábado 21 de enero, a mi nueva exposición fotográfica, en el Museo Taller Clemente Orozco de la SEC. . Abajo están todos los datos. Habrá textos de las maravillosas poetas Carmen Villoro, Silvia Eugenia Castillero y Karla Sandomingo. Espero me acompañen. Podremos brindar por el año nuevo.

Abrazos Julieta

ESPEJISMOS

Exposición fotográfica de Julieta Marón

Compositora, fotógrafa y doctora en Comunicación Audiovisual, Julieta Marón presenta su exposición ESPEJISMOS, constituida básicamente por tres núcleos temáticos; La lluvia, Escaleras y Aves, además  de otras series tales como Paisajes y Espejismos, ésta última da nombre a la muestra que ahora ofrecemos.

ESPEJISMOS, como su nombre lo indica, está constituida por imágenes ocasionalmente distorsionadas que podrían sugerir algo irreal. Distorsión que se dará por efecto de la lluvia, del movimiento o por intencionales desenfoques produciendo representaciones cercanas a la abstracción, propuesta interesante en cuanto a que la foto se aleja de los propósitos elementales de la reproducción literal de la realidad.

Los ESPEJISMOS van más allá de la forma y se convierten en conceptos visuales, como en el caso de la serie Aves, en donde se plantea una interesante paradoja. En estas imágenes, los seres vivos y las cosas se convertirán en ESPEJISMOS por acción y voluntad de la aguda mirada de la autora.

Escenas urbanas bajo la lluvia; personajes que transitan el húmedo espacio; memoria de los grabados japoneses del “Mundo Flotante”….del Ukiyo-e, particularmente de Hiroshigue, “El puente Ohashi bajo la lluvia” (1857). Los personajes se diluyen, se escurren como el agua que corre sobre los cristales; imágenes impresionistas que se acercan a la abstracción; fugacidad, tiempo inasible.

Así, del mismo modo, los sujetos captados por el ojo-cámara de Julieta Marón, quedan ahora atrapados en una trama de líneas constituida por el juego de luces y sombras que producen los escalones en los ámbitos urbanos; escaleras que recortadas por el encuadre acaban por convertirse en un abstracto mosaico de líneas donde los que las transitan son espejismos de sí mismos.

Aves, símbolos de libertad que en la mira de Julieta Marón, han sido congelados para establecer una imagen dialéctica: aves y enrejados, aves y alambres de púas; espejismos de la libertad.

TALLER ESCRITURA DE PROYECTOS ARTÍSTICOS
Impartido por Adela Goldbard
24, 25 y 26 de Febrero
Costo 1,800 pesos
info@generador.mx 

Con gusto les compartimos una entrevista realizada por el periodico  El Informador a Rafael del Rio, publicada el dia de hoy Martes 1o de Enero del 2012

Rafael del Río es un fotoperiodista y fotógrafo documental que se ha desempeñado en medios nacionales y extranjeros a lo largo de 15 años

GUADALAJARA, JALISCO (10/ENE/2012).-Rafael del Río es un fotoperiodista y fotógrafo documental que se ha desempeñado en medios nacionales y extranjeros a lo largo de 15 años. Actualmente trabaja en la revista Proceso Jalisco.

Es egresado de la licenciatura en Ciencias de la Comunicación por el ITESO, y cursa la Maestría en Artes en la Universidad de Guadalajara.

Obtuvo la beca del Sistema Nacional de Creadores de Arte en la categoría Artes Visuales que otorga el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes (CONACULTA), en la más reciente edición 2011. Entre otros reconocimientos, Rafael ganó un premio de honor en el Primer Festival de Fotografía Latinoamericana en París, Francia en 2004; el Premio Nacional de Periodismo Cultural Fernando Benítez (2000), y el Premio Jalisco de Periodismo en tres ocasiones (1999, 2001 y 2002).

Una visión íntima del abandono

“Estudié comunicación, pero la foto la aprendí trabajando en la calle y tomando cursos y talleres.

Mis temas tienen que ver mucho con la fragilidad humana en escenarios marginales: psiquiátricos, migrantes, cuestiones de adictos, la vida en la calle; son cosas que me interesan. La fragilidad, el hombre al extremo. Y para mí han sido lecciones de vida. Después de mucho tiempo me di cuenta que eran temas recurrentes, no fue algo planeado. Me di cuenta que había una línea que era el abandono en todos sus aspectos. La soledad. Una visión intima del abandono.

Tengo una serie abierta de los migrantes y la idea es continuarla abordando subtemas. Seguir incorporando mosaicos de la frontera y también de los pueblos de migrantes, los perfiles de los familiares.

Hay dos líneas que siempre me han servido como motores: el cine y la literatura. Y bueno, también el periodismo de investigación, el periodismo más literario. Mis series están entre lo documental y lo periodístico pero siempre con un tono muy personal. Muchas veces tienes que hablar del contexto, de la realidad que se vive: cuánta gente hay, dimensionar el problema, pero lo que me queda claro es que quiero hablar de microhistorias, de las voces individuales.

Porque generalmente cuando se habla de problemas macro, como la cuestión de la migración, siempre se habla de cifras generales y a mí me interesa hablar de cosas individuales, de historias concretas. Por ahí está mucho el sentido de mi trabajo.

Varios años trabajé en un diario y era comer noticias todos los días. Ahora (en la revista Proceso) es un perfil distinto porque son temas más de investigación. Es motivante y me late, es algo que te nutre: ser testigo de los hechos, que no te cuenten, tener una versión directa, eso es un valor rico en la cuestión de la chamba. Crearte criterios a partir de la realidad misma, y también del análisis de las diferentes voces o instituciones que aportan sobre el tema. Creo que es un gran valor, pero también hay mucha responsabilidad del periodista o del fotógrafo porque a final de cuentas eres filtro, siempre estás interpretando la situación para reflejarla.

Yo siempre trato que mis imágenes sean informativas. Si es una foto fuerte, intentar que informe evitando la parte más grotesca de las cosas. Aunque sí creo que lo que hace la diferencia es el filtro, porque yo he visto fotos muy buenas en periódicos de nota roja, pero lo que las denigra son los encabezados y las notas. Yo siempre trato de respetar la dignidad de las personas.

En mis proyectos personales siempre hay esa necesidad de expresar lo que me preocupa, lo que veo, las cosas que me mueven, la profundidad, las historias de los otros. Eso es lo que más me ha gustado hacer y lo que ha tenido un valor más significativo. Lo otro (el fotoperiodismo) es un taller cotidiano de todos los días, que te permite ser testigo directo y abrir ventanas de una realidad que a veces es fuerte y dolorosa, y es una responsabilidad. El trabajo periodístico busca crear conciencia, y la otra es una búsqueda más personal: una voz interior que busca entender al otro, o entenderme a mí a través de conocer al otro”.

Análogo vs digital 

A mí me tocó comenzar a trabajar con fotografía en blanco y negro, luego cambiar a negativo a color y luego a digital. Ya había color, pero trabajé en periódicos donde todo era en blanco y negro, y era hacer todo el proceso completo.

Ahora con el avance tecnológico es mucho más democrático, más abierto, más económico y más accesible para la gente. Ha abierto posibilidades sobre todo en cuestiones técnicas, que ya en cierto modo están resueltas. Antes había un rango de error más grande, que ahora es más fácil de evitar o corregir. A mí lo que no me gusta de lo digital es que es muy impersonal, y hay ciertos tips que incluso cortan la comunicación, por ejemplo, cuando estás hablando con alguien y en lugar de seguir platicando volteas a ver cómo te quedó la foto. Es mínimo, pero sí afecta en el sentido de conocer a alguien.

Y yo voy un poco en el rollo inverso porque ahora para mis trabajos personales procuro hacer mis fotos con una cámara de juguete de plástico de 200 pesos, para hacerlo más libre y no atarme a la técnica, porque gracias a toda esa evolución que ha habido en cuestiones técnicas, ya sabes qué resultado vas a tener y se vuelve un poco más mecanizado. Entonces procuro dejar ciertos errores, propiciar vicios de procesos cruzados para generar cosas nuevas. Darle la vuelta, empezar otra vez.

Lo que me queda claro es que tanto lo digital como los negativos son herramientas, no son medios en sí. Lo importante es cómo los aproveches, la justificación y el contenido.

La bronca que puede tener ahora lo digital que es la saturación de imágenes, porque tomas mucho pero no piensas en lo que tomas, o no sientes, que es lo más cabrón. Lo importante es darle la vuelta: dejar de tomar, y pensar y sentir antes de tomar. Tener un proceso de reflexión.

Yo creo que al final la democratización es positiva, y (la fotografía) es interesante como una herramienta para que cada quien se conozca. Hay muchas realidades y hay muchas historias por contar. Es como la escritura: cualquiera puede escribir, pero hacer una poesía, una novela o una crónica es distinto: cambia el estilo y la forma en como lo cuentes. Igual con la foto. A final de cuentas una foto es contar una historia, o como dicen algunos autores es un texto visual. La forma como estructuras los elementos de la imagen, como los expones, la composición, es construir una historia a partir de elementos visuales.

Además de la foto, me gusta el video y empiezo a hacer productos multimedia. Ha sido una necesidad cotidiana, porque cuando escuchas un migrante, por ejemplo, y te cuenta su historia, quisieras que la gente estuviera ahí para escucharla. Y grabar video enriquece el contenido.

Prejuicios

Hay un prejuicio de que cualquiera puede tomar una foto y que el fotógrafo no piensa, o no lee o no está informado. Que toma por instinto, que (las fotos) son como chiripas u ocurrencias. Y más ahora que es un elemento muy cotidiano para todos: tienes fotos en tu casa, en el celular, y hay ese prejuicio de verlo como un recurso fácil. Pero es como el ejemplo de la escritura.

El otro problema es que no hay suficientes apoyos: siempre habrá más buenas fotos que premios o becas. En general es complicado. Hay pocos medios y pocos espacios, pero si te late algo tienes que hacer tu camino y buscar opciones. Sí hay posibilidades ligadas a la cuestión del mercado, pero hay que abrir más allá de los canales establecidos.

Pero definitivamente lo más importante es trabajar. No puedes empezar al revés: no puedes empezar por una beca y luego trabajar. Yo he tenido chance de obtener becas y premios pero siempre con trabajo ya hecho, y eso implica una disposición a desarrollar los temas de forma personal, sin filtros de compromisos que de repente son ataduras.

Creo que la gestión es un vacío que siempre ha habido y es súper importante crear canales de conexión entre artistas e instituciones o medios que apoyen. Siempre ha habido esos intermediarios sobre todo para los pintores. Es necesario llegar a acuerdos para propiciar intercambios, porque o te dedicas a la difusión o te dedicas al arte.

Las guerras de cada ciudad 

Cuando estaba más chavo sí pensaba en irme de Guadalajara, pero la verdad es que aquí tienes todo y es un doble vicio. Yo estoy muy cómodo. Claro que siempre es importante salir, ver hacia fuera, pero ahora con Internet es mucho más fácil darte cuenta de lo que se está haciendo.

Me acuerdo cuando empezaba en esto, había una idea de los fotógrafos de prensa de irse a retratar la guerra y ahora ya estamos viviendo la guerra aquí. Yo me di cuenta que no, que lo que me interesaba, siendo honesto conmigo, eran las pequeñas guerras de cada ciudad. La lucha por la subsistencia, la marginalidad, las broncas de lo cotidiano, de mi entorno. Y creo que eso es ser más honesto con lo que me toca ver y vivir.

Desde chico soy muy introspectivo y a veces no es muy sano porque tienes que darle salida. Pero sí es importante ante esta avalancha de ruido, información, fotos y todo rápido, pararte a pensar, reflexionar y ver hacia dónde vas. Y cómo estar mejor.

Aunque he tratado temas muy cabrones, lo que siempre he encontrado es una búsqueda de la felicidad, un deseo de estar bien de las personas más jodidas, y esa es la mejor lección que he tenido. Y ahora con tanta violencia que estamos viviendo, lo que busco es propiciar alegría y luz. Yo sí siento que es una  responsabilidad de los artistas generar cosas chidas”.

FRASE

“Lo que siempre he encontrado es una búsqueda de la felicidad, un deseo de estar bien de las personas más jodidas, y esa es la mejor lección. Ahora lo que busco es propiciar alegría y luz“